Посты с тегом: кино

Вы можете заплакать во время просмотра фильма? Я практически никогда не плачу над кино или книгой, даже если она очень трогательная. В моем мозге словно стоит блок, он четко осознает, что это художественный вымысел, а потому не стоит реальных слез. Но, как и в любом случае, в ситуации с кино бывают исключения. К ним относится фильм, на который я наткнулась в интернете по чистой случайности: «Боб Тревино поставил лайк» (2024). Бывает, что фильм или книга цепляют зрителя за живое, но этот бриллиант поднимает на поверхность целую россыпь психологических проблем, с которыми сталкиваются миллионы людей во всех уголках мира.

Сюжет

Главная героиня истории — Лили Тревино. В детстве ее мать ушла из семьи, воспитанием девочки занимался отец, которому ребенок постоянно мешал наладить личную жизнь. Даже когда дочь выросла, Боб Тревино продолжает ею манипулировать, устраивает скандалы на ровном месте, без причин обижается, требует финансовой помощи, обвиняет ее в том, что она испортила ему жизнь. После очередной такой ссоры он даже перестает разговаривать с ней, не открывает двери, не отвечает на телефонные звонки.

Стремясь помириться с отцом (хотя она вообще не виновна в скандале), Лили ищет его страницу в социальных сетях. Там она случайно знакомится с полным тезкой отца, Бобом Тревино. Тот, заинтересовавшись, что за незнакомка ему пишет, начинает лайкать ее детские фото. Они начинают переписываться, а после решаются на личную встречу. Добрый и отзывчивый прораб Боб находит в девушке фигуру дочери, а Лили — теплоту и поддержку, которой ей недодал отец. Между ними возникает крепкая дружба, которая помогает обоим преодолеть жизненные трудности.

Терапевтический эффект

Создатели фильма умудрились поднять в одном произведении практически все самые распространенные психологические проблемы: сложные детско-родительские отношения, неумение проживать собственные эмоции, способы пережить тяжелую утрату, страх одиночества, неприятия себя и еще многое другое. Все эти темы и так очень щекотливые и способны заставить расчувствоваться даже такого сухаря, как я, но актерская работа Барби Феррейры, Джона Легуизамо и Френча Стюарта доводит накал эмоций до пика.

Общее впечатление

«Боб Тревино поставил лайк» за полтора часа покатал меня на таких эмоциональных качелях, на каких я не была давно. Я успела и посмеяться, и погрустить, и позлиться, и даже поплакать. При этом после этого эмоционального катарсиса меня накрыло такое ощущение покоя и облегчения, словно я только вернулась после сессии у хорошего психолога.

Вторая волна эмоций накрыла меня уже во время закрывающих титров, когда на экране появились скрины переписки реальных прототипов Лили и Боба. Оказалось, что эта история основана на реальных событиях, что делает историю еще более душещипательной. Это еще раз подтвердило мое убеждение, что самые интересные и трогательные истории всегда берутся из жизни.

Вывод: я от всей души рекомендую этот фильм, как сказал один из зрителей в комментариях под ним: «Этот фильм можно использовать как пластырь от любых душевных ран».

А вы видели «Боб Тревино поставил лайк»? Как вам? Очень хотелось бы обсудить его с вами в комментариях.

Боевик-антиутопия Сквозь снег 2013 года прошёл как-то малозамеченным. Вроде и оценки выше средних, и фильм даже окупился, но сейчас о нём не вспоминают. А зря, ведь там есть неплохие киношные находки, а ещё в наличии очень классная злодейка - Министр Мейсон.

В Голливуде любят составлять всякие топ-10, топ-100 списки лучших героев или злодеев кино. Персонаж Тильды Суинтон отлично подойдёт в подобный список злодеев. Актриса играет такую мразь, просто диву даёшься. И персонаж вроде ничего не особенного не делает по сравнению с другими подобными персонажами в аналогичных фильмах, но тут Тильда Суинтон умудрилась изобразить настоящую тварь.

Она надменная и изворотливая, ей нравится держать власть над людьми, хотя она сама подчинённая. Такой винтик в системе, который пользуется положением и наслаждается. Всегда можно вести себя по-разному, но министр Мейсон выбрала для себя путь скользкой суки.

Зрителю хочется наказать эту стерву! Зритель смотрит и ждёт, когда же наконец прибьют эту тётку. А ведь это цель любого профессионального актёра, заставить зрителя переживать сильные эмоции, даже негативные вроде ненависти. Министр Мейсон хорошо устроилась в полуфашистком мире. Но её отвратительная сущность проявляется, когда она наказывает провинившихся или когда наслаждается смертями во время битвы в тёмном туннеле.

Давно ждал новостей на эту тему, и вот они наконец появились. Режиссер Джон Тертлтауб, который в свое время снимал «Ученика чародея», побывал на подкасте National Treasure Hunt и подтвердил: третья часть «Сокровища нации» действительно готовится к съемкам. Для тех, кто следил за судьбой этой франшизы столько лет, новость почти праздничная.

Главное, что порадует поклонников серии - Николас Кейдж возвращается к роли Бена Гейтса. Без него представить этот проект просто невозможно, поэтому такое решение выглядит абсолютно логичным. Сейчас создатели фильма ведут переговоры и с другими актерами из предыдущих частей, среди них Дайана Крюгер и Джастин Барта. Будет здорово увидеть знакомую команду снова в деле. Отдельно режиссер отметил, что сценарий уже написан и получил одобрение от Disney - значит, дело действительно сдвинулось с мертвой точки, а не осталось на уровне разговоров.

Я смотрел обе части этой истории, и мне они понравились. В свое время «Сокровище нации» стало для меня одним из тех фильмов, которые пересматриваешь просто для настроения - в них есть та самая авантюрная атмосфера, загадки, погони и легкая ирония, которая делает историю не занудной, а увлекательной.

Первая часть вышла еще в 2004 году и рассказывала о поисках сокровищ отцов-основателей США, которыми занимался охотник за древностями Бен Гейтс. Критики приняли фильм довольно сдержанно, зато зрители оценили его гораздо теплее - на Rotten Tomatoes у картины 47% от обозревателей против 76% зрительских оценок, и это красноречиво говорит само за себя. Вторая часть, вышедшая в 2007 году, получила чуть более прохладные отзывы, но франшиза все равно осталась в памяти многих как что-то доброе и приключенческое.

Конечно, пока рано говорить о точных датах выхода или деталях сюжета - проект только официально запущен в разработку, а в Голливуде, как известно, планы могут меняться до самого последнего момента. Но сам факт того, что команда собирается заново и берется за продолжение спустя столько лет, уже вызывает приятное предвкушение. Будем следить за новостями и надеяться, что «Сокровище нации 3» получится таким же атмосферным и увлекательным, каким запомнились первые две части.

Олег Янковский — прекрасный актер, красавец, эдакий Ален Делон советского кино. Фигура, возможно, спорная, кто-то скажет, что не так уж он и хорош. Но никто не станет спорить, что его сложно представить не в образе уверенного, элегантного героя с той самой знаменитой улыбкой. Но были роли, ради которых ему приходилось полностью менять себя.

В фильме Сергея Микаэляна «Влюблён по собственному желанию» Янковский сыграл обычного рабочего — человека с завода, совсем не похожего на тех героев, которых зрители привыкли видеть в его исполнении.

Чтобы убедительно выглядеть в кадре, актёр решил научиться делу на практике. В токарном цехе он проходил стажировку, учился работать за станком, наблюдал за рабочими и довольно быстро освоился. Режиссёр потом вспоминал, что Янковский в кадре выглядел как настоящий токарь.

А снимался фильм между прочим в очень сложный период. В это же время актёр работал над картиной Романа Балаяна «Полёты во сне и наяву», играл в «Ленкоме», и свободного времени почти не было. Чтобы сохранить участие Янковского, Микаэлян подстроил съёмочный процесс и перенёс действие фильма из Ленинграда в Москву.

Когда Людмила Зорина увидела первые кадры, она с трудом узнала мужа. Вместо любимого миллионами зрительниц актёра перед ней был растрёпанный, небритый мужчина в рабочей одежде.

За эту роль Янковского признали лучшим актёром 1983 года. И в то же время он создавал совершенно другой образ — героя фильма «Полёты во сне и наяву». Эти две роли, такие разные, снимались практически одновременно. В одной картине — завод, станок, грубая рабочая реальность. В другой — интеллигентный мужчина на пороге сорокалетия, который пытается разобраться в себе. Два разных человека, две совершенно разные истории. И один Олег Янковский.

Это очень хорошо показывает диапазон Янковского: он мог сыграть и человека «от станка», и человека, который потерялся в собственной жизни.

Посмотрите отрывок из фильма Большие неприятности (Big Trouble) 2002 года.

Понятно, что это комедия, но здесь есть значительная доля правды. До терактов 11 сентября в США был очень поверхностный контроль безопасности. В фильме представитель авиакомпании продаёт билеты без проверки реальных документов (ID в США). Почему? Да потому что билеты были фактически на предъявителя. Имя на билете печаталось, но его никто не смотрел - не было проверки с сопоставлением имени на билете и имени в документах.

В США была даже "теневая" практика перепродажи билетов. Можно было с рук купить чужой билет (с чужим именем) и полететь по этому билету. Никто не проверял. А до середины 90-х не спрашивали ID даже при покупке.

Сейчас это выглядит невероятным. После терактов 11 сентября всё изменилось и с каждым годом в США появлялись всё новые и новые требования безопасности. Современный контроль в аэропортах - это несколько поэтапных проверок, иногда с вытряхиванием всего содержимого чемодана, дополнительной (и немного унизительной) проверкой тела пассажира, а документы смотрят несколько раз, включая финальную проверку бортпроводником перед самой посадкой.

Кстати, в США программа прескрининга пассажиров Secure Flight заработала только в 2009 году:
https://en.wikipedia.org/wiki/Secure_Flight
А когда-то мир к безопасности на авиаперелётах относился совсем иначе.

В старых фильмах есть какое-то удивительное очарование. Причем часто это не зависит от страны происхождения, уютными и милыми кажутся многие фильмы, снятые в СССР, США, Чехословакии и т.д. Один из таких фильмов - это Укрощение строптивого, великолепная итальянская комедия 1980 года.

Важным фактором формирования удивительно приятного впечатления от кино был советский дубляж. Настоящие мастера своего дела фактически заново играли роли. Послушайте этот прекрасный советский перевод:

Сравните с итальянским оригиналом:

Слово "кринж" популярно у поколения до 30 лет. Фильм Дневник Бриджит Джонс, вышедший в прокат в 2001 году, не является фильмом этого поколения, но, ёлки-палки, весь фильм - это тонны кринжа, целенаправленно вываливаемые на зрителя через главную героиню!

Я пересмотрел его снова в этом году и понял, что это полный кринж. Старый добрый испанский стыд является основой юмора Дневника Бриджит Джонс. При просмотре ощущаешь беспрерывную неловкость за главного персонажа.

В фильме кринж следует за кринжем. Как только героиня Рене Зеллвегер взаимодействует с внешним миром, то на экран лучше не смотреть, иначе испанский стыд будет тебя съедать изнутри. С другой стороны, пишут же, что кринж сейчас популярен, может, кино понравится молодому поколению.

Пройдусь по части фильма и покажу яркие примеры кринжа.

Бриджит Джонс нелепо поёт на новогоднем корпоративе, и зрителю становится неловко за неё.

Знаете, что самое обидное? Выходит на экран какой-нибудь очередной «Последний богатырь», сто пятая часть мультфильма «Три богатыря» (на самом деле последняя тринадцатая. Теперь четырнадцатая выйти просто обязана, а то несчастливое число). Или – прости. Господи – киноремейк советского детского мультфильма вроде «Чебурашки» или «Колобка», из-за которого интернет взорвется волной ненависти. Или какие-нибудь «Взломать блогеров», где весь фильм придется любоваться на лица героев в скайпе.

И в очередной раз в комментариях напишут – российское кино в очередной раз пробило дно, и вообще после тех самых шедевров времен СССР ничего стоящего не создано.

И скажите, какой пиар для посредственной мелодрамы может быть лучше, чем критика со стороны депутата и рассыпанных по городам листовок с призывом к бойкоту фильма? Да, я говорю о нашумевшей и забытой «Матильде». Возможно, даже напишу свое мнение, поскольку на него ходила.

Но это ведь неправда. Шедевры снимают и в наше время.

Просто так вышло, что по-настоящему стоящие вещи редко собирают настоящую кассу. И тем более из них не сделаешь франшизу.

Сейчас хочется рассказать о фильме «Монах и бес» 2016 года режиссера Николая Досталя.

Сюжет

В основе сюжета житие преподобного Иоанна Новгородского XII века, который совершил оседлал черта и заставил его отвезти себя в Иерусалим.

Да, этот же сюжет переосмыслил Николай Гоголь, заменив монаха на кузнеца, а Иерусалим – на Петербург и царский дворец.

В отдаленный мужской монастырь пребывает странный монах Иван Семенов сын (Тимофей Трибунцев. Кстати, он же сыграл лучшего персонажа «Последнего богатыря» - мага Светозара). Он изъясняется поговорками и ведет себя странно.

Настоятель чувствует, что с Иваном что-то не так.

И оказывается прав. Иван одержим бесом. С детства его сопровождает демон Легион.

За их взаимодействием зритель и будет наблюдать.

Пожалуй, лучшая часть фильма – диалоги. В каждом из которых есть смысл.

- Есть же настоящие святые. Отцы. Ты бы к ним и шел.


Отношения Ивана и Легиона – это противостояние, скорее, по Долгу. Смесь противостояния и своеобразной дружбы. Легион пытается склонить Ивана на сторону зла, соблазнить гордыней, властью, вкусной едой. Выполняет за него задания настоятеля, как типичный волшебный помощник. А Иван расспрашивает его о жизни в аду и донимает насчет Тайны Беззакония. И вытаскивает бессознательного обессиленного Легиона тоже Иван.

Недаром где-то в комментариях Легиона назвали «бес-хранитель», объединив две противоположные функции Легиона – соблазнять и охранять..

Каждая фраза в фильме – это кристалл, который можно рассматривать с разных сторон, каждый раз находя новый смыслы.

Например, диалог о святых отцах и «зубрах» рядом с ними.

Чем чище душа – тем страшнее искушения.

Персонажи

Много говорить о сюжете здесь нет смысла.

Самое интересное здесь – персонажи.

В притчах – а это фильм-притча, персонажей нередко делают плоскими, необходимыми только для раскрытия главной идеи.

Но не здесь.

К примеру, настоятель монастыря.

Казалось бы, тот, кто активно не любит главного героя, отсылает подальше от себя в отдаленный скит, должен быть героем отрицательным.

Настоятель тщеславен, склонен к раболепию перед вышестоящими, но не лишен сострадания и особой проницательности. Он не карьерист и не святой старец вроде, к примеру, старца Зосимы. Но именно он почувствует в Иване угрозу.

Более того – настоятель узнает Легиона, когда тот явится к нему под видом архиерея.
Неоднозначна и концовка фильма. Легион является снова. Но уже к настоятелю.

Зачем? Решил покаяться и стать человеком? Или теперь будет соблазнять душу настоятеля?
Пересмотрела фильм не раз, но однозначного ответа нет.

Возможно, он появится у вас.

Вот такой фильм я решила разобрать после советской научной фантастики.

Не так давно я выкладывала пост о грядущем лайв-экшн фильме во вселенной смешариков. Фильм вышел в российский прокат, я его посмотрела и имею что сказать по этому поводу. Спойлер: я была дико разочарована.

Подбор актеров

В прошлом посте я детально рассматривала актеров, утвержденных на главные роли в «Смешариках», и возлагала большие надежды по крайней мере на взрослых персонажей. Но, к сожалению, все оказалось значительно хуже ожидаемого. Совунья вышла вообще не похожей на свой мультипликационный прототип, Лосяш почему-то оторван от реальности и не понимает, что творит дичь, Пин вообще какой-то бесхребетный получился. Химии между очеловеченными персонажами нет вовсе, словно для этого не хватило экранного времени. Я искренне не понимаю, почему сильные актеры в этом фильме выглядят неорганично и деревянно?

Отдельно хочется сказать о Нюше и Бараше. Если в мультфильме они воспринимаются примерно как сверстники и ухаживания Бараша не вызывают вопросы, в фильме актер, исполняющий его роль, выглядит сильно старше Нюши и их общение ощущается как приставания взрослого парня к девочке.

Сюжет

В целом фильм, в котором персонажи из Ромашковой долины попадают в наш мир и решают наши проблемы, ощущается странно. Словно Лукьяненко написал сценарий к научно-фантастическому фильму, но продюсеры побоялись, что зрители на него не пойдут. Поэтому решили добавить к сюжету хорошо продающихся персонажей из мультипликационной вселенной.

У меня были откровенно завышенные ожидания по отношению к «Смешарикам сквозь вселенные» из-за самой концепции и автора сценария. Этим можно было бы объяснить мое разочарование, но фильм совершенно не зашел даже моему ребенку, который любит космическую фантастику и смешариков.

Проблемы с кассой

Перед стартом проката авторы фильма усиленно прогревали публику. Они выпускали коллекционные фигурки в обычной и «сюрприз-упаковке», выпускали одежду и косметику совместно с российскими брендами. Социальные сети были буквально заполнены восторженными отзывами об этой продукции.

Но в первый уик-энд проката фильм собрал относительно скромную кассу. Поэтому поводу выкладывал видео даже креативный продюсер смешариков. Он искренне не понимает, почему мерч со смешариками раскупается как горячие пирожки, а на фильм идет меньше людей, чем на даже отмененный в социальных сетях «Колобок». Как мне кажется, тому есть весомая причина.

Дело в том, что создатели «Смешариков сквозь вселенные» взяли на прицел не ту аудиторию. Дело в том, что фигурки, футболки, украшения и косметику скупали платежеспособные молодые люди, которые выросли на смешариках. Их на эти покупки толкала ностальгия по детству. Им не нужен новый взгляд на любимый мультик, живые актеры, новые темы. Они с удовольствием пошли бы на очередной полнометражный 2D мультик.

Современные же дети вовлечены во вселенную смешариков значительно меньше. Многие из них в раннем детстве даже не смотрели их. Поэтому им вообще не интересен «Сквозь вселенные». В стремлении окупить фильм, создатели даже добавили возможность сходить на сеанс по Пушкинской карте, но, судя по всему, это тоже не сильно помогает.

А вы смотрели «Смешарики сквозь вселенные»? Возможно, вам он понравился и я просто чего-то не поняла? Давайте обсудим в комментариях!

После последней статьи решила пересмотреть «Москва-Кассиопея». Обе серии.

Современному избалованному взгляду спецэффекты покажутся простенькими – хотя в те годы сцена полета в невесомости вызвала восхищение даже в Голливуде.

Да и за то, что они одними из немногих показали проблему космических путешествий – что путешествие в дальний космос будет буквально длиною в жизнь, ему многое можно простить.

Но это не значит, что мне не хочется начать придираться.

Впрочем, само по себе это желание говорит о качестве фильма. К «Мятной сказке» Полярного или «Сумеркам» мне почему-то придираться не хочется.

Итак, предлагаю начать.

Слишком спокойное отношение родителей к полету

Да, в фильме упоминается, что одну девочку не отпустила бабушка – но это выглядит скорее исключением из правила. Такая эгоистичная мещанка, которая ни во что не ставит Высшую Цель.

И опять же – согласие не дала бабушка. Не родители.

И если по правилам «согласие должны дать все родственники» - получается, остальных на полет благословили и родители, и бабушки, и дедушки, и троюродные тети?

Создается впечатление, что каждый из них проникнут осознанием важности миссии – спасение незнакомой инопланетной цивилизации, и эта важность перекрывает эгоистическое желание «стакана воды в старости».

Отпустить детей не на экскурсию – в космос, с перспективой никогда их больше не увидеть и не обнять…

Более того, мне кажется, в реальности подобная программа стала бы причиной долгих и трудных обсуждений – в том числе на международной арене.

Однако этого в фильме нет. Реакция Запада представлена через иностранных журналистов – гостей «Зари». И она однозначно позитивная.

Более того – в самом начале полета из-за Феди Лобанова (лучший персонаж фильма, надо сказать. Кстати, чем-то похож на Рона Уизли) «Заря» совершает прыжок в гиперпространство, из-за чего весь полет до планеты вместо запланированных плюс-минус 30 лет укладывается в один год. На Земле же за это время проходит 27 лет.

Успевает состариться профессор, повзрослеть и обзавестись двумя детьми – одноклассница ребят.
Двадцать семь лет связь с «Зарей» была прервана. Никто не знал, что с ними случилось, живы ли они или попали в черную дыру.

Все эти годы родители могли считать детей мертвыми. Или жить одной надеждой, что на самом деле они живы.

Но и об этом ни слова.

Понимаю, может быть, я слишком многого требую от детского фильма. Но подобное, мне кажется, сделало бы фильм даже лучше.

Личные отношения на втором плане

Не знаю, кому как, а мне не хватило личного взаимодействия ребят. Капитан корабля Виктор Середа ведет себя как жесткий, авторитарный лидер. Может прикрикнуть (правда, почему-то на девочек). Да, упоминаются влюбленности. Федя вызывает у мальчиков раздражение, а девочки жалеют его. Но их личные взаимоотношения будто не имеют особенной ценности.

Кстати, ярких личных черт кроме Феди и капитана Середы, которые выглядят как два полюса, никто не проявляет. Остальные выглядят и ведут себя точно винтики одного механизма, различаясь только в отношении к «зайцу» Феде Лобанову.

При чтении, к примеру, «Повелителя мух» вы никогда не перепутаете Хрюшу, Ральфа, Джека или Саймона – каждая реплика будет «кричать» вам, что это именно он.

Здесь же я при всем желании не могу охарактеризовать «женскую часть» корабля иначе как «девочка с косичками», «брюнетка в очках» и «девочка без очков». «Мужская» кроме Лобанова не отличается даже внешне.

Понятно, что в отличие от «Повелителя мух» у нас здесь мотивированные подростки, отправленные на серьезную миссию. И команду подбирали психологи для максимальной совместимости. И все же.
Да, конфликты здесь есть – как, например, из-за надписи на доске, но она не раскрывает характеры персонажей. Да, она приводит к конфликту, благодаря которому Федя оказывается «за бортом», но характерам персонажей ничего не дает.

И, кстати, кажется, что кроме отношения к Феде ребята ничем не отличаются друг от друга.

Чем должен питаться экипаж «Зари»?

Вопрос банальный, и все же. Миссия планировалась почти на 30 лет. Как минимум. Чем они должны были питаться все эти годы? Ясно, что обычными продуктами на 30 лет запастись нельзя. Никакие консервы не проживут столько лет. И сколько места на корабле они должны были бы занимать?
Еда из «космических тюбиков»? Но будет ли она съедобна те же 30 лет?

Значит, либо на корабле должна была быть теплица, где бы ребята выращивали для себя картофель, морковь и обязательно что-нибудь цитрусовое, чтобы восполнить дефицит витамина C.

Либо в сюжете должен был присутствовать какой-нибудь «пищевой принтер» или его аналог (нечто похожее на смартфон в сюжете появляется).

Кстати, мне не хватило обычной жизни на корабле. Пусть даже ссора девочек из-за шампуня.

Нечто такое, что сделало бы остальных чуть более «приземленными», как бы это ни звучало в контексте космического путешествия.

И, кстати, наверное, гуманнее было бы погрузить ребят в сон, как в фильме «Пассажиры».

Но тогда они достигли планеты в возрасте подростков и с сознанием подростков. А весь смысл миссии был в том, что достичь планеты они должны были будучи взрослыми.

Впрочем, об одном – о психологическом комфорте обитателей «Зари» создатели подумали, создав виртуальные копии их родных квартир или уголков природы.

Виртуальная реальность, где даже воду можно потрогать…

В общем, «Москва Кассиопея» - один из немногих фильмов, которые можно было бы переснять. Конечно, не так как пересняли «Буратино». С любовью, уважением к оригиналу, но современными спецэффектами. Сделать персонажей глубже и ярче, добавить новые личные конфликты.

А вы как считаете?

P.S. И главный вопрос – ЧТО БЫЛО В КОМНАТЕ «ДО ШЕСТНАДЦАТИ НЕЛЬЗЯ»??

Что в СССР было самое лучшее? Думаю, у каждого будет свой список. Пломбир, газировка. Некоторые скажут "люди", но я к этой формулировке отношусь скептически. В СССР все были замечательные - а после 1991 го все дружно стали "человек человеку волк"? Прежних забрали инопланетяне - новых завезли?

Я больше скажу - в 1991 ом могли быть живы те, кто застал Российскую империю. Или был рожден в это время.

Я склонна думать, что человек не слишком изменился со времен египетских пирамид.

Но в одном все сходятся во мнении - кино.

Вот что было в СССР лучшее.

Советские режиссёры могли показать голливудским коллегам как снимать фильмы на бюджет школьного завтрака и под строгим взглядом цензуры. И снимать шедевры.

Современные попытки "переснять", снять продолжение или ремейк чаще всего не вызывают ничего, кроме слова "кринж".

О них даже говорить не хочется.

Но даже знакомство с оригиналом чаще ограничивается тем, что показывают каждый год по телевизору. Это стандартный набор из "Девчат", "Служебного романа", "Москвы слезам не верит", "Весны на Заречной улице" - и дальше в зависимости от юбилеев и уходов из жизни советских артистов.

Но хочется вспомнить про слегка подзабытые шедевры.

«Москва-Кассиопея» 1973


Советское кино любило научную фантастику - и умело ее снимать. Хотя это один из жанров, который особенно требует бюджета.

После полёта Гагарина советские дети бредили космосом.

Все были уверены, что еще чуть-чуть, и мы на Марс будем за хлебом летать. За марсианским. Из красной марсианской пшеницы.

Но одну тему фантасты обходили (и обходят) стороной - огромные расстояния в космосе.

Не получится слетать на каникулы к подружке на Проксима Центавра и к сентябрю вернутся.
Отец Алисы Селезневой - космозоолог, летал далеко за пределы Солнечной системы в поисках космических животных и брал с собой Алису. И по возвращении они не находили одноклассников Алисы глубокими пенсионерами. Вообще все выглядело так, будто события укладывались в летние каникулы.

Космонавт будущего, отправленный за пределы Солнечной системы, должен осознавать, что своих родных он больше не увидит.

А на еще более дальние расстояния за жизнь одного космонавта и долететь нельзя.

Это явно не то, что хотят увидеть зрители при просмотре очередного фильма про разборки в космосе...
Поэтому эту тему и поднимают сравнительно редко.

«Москва-Кассиопея» - это детский фильм, решивший поговорить с детьми на эту детскую тему.
В первой части конфликт строится именно вокруг этой проблемы.

Итак, с другой планеты получен сигнал SOS. Опустим, что инопланетяне знают земной сигнал бедствия.

Итак, мы знаем, что где-то в космосе есть разумная жизнь. И эта жизнь зовет на помощь.

Но как помочь, если тридцатилетние космонавты к моменту прилета превратятся в немощных стариков? Если вообще доживут до финала миссии.

Школьник Витя предлагает нестандартное решение - лететь должны подростки.

Тогда к моменту прилета им будет около 40 лет (а домой, видимо, можно и не возвращаться).

Итак, решение найдено. СССР собирает команду.

Конечно, странно, почему в команду не добавить взрослых, которые контролировали бы ситуацию и разрешали конфликты (которые на корабле будут). Вместо этого их сопровождает только компьютер-учитель, который должен помочь им закончить школу.

И тема вечной разлуки с Землей красной нитью проходит через весь фильм. Основная песня фильма – именно прощание с Землей.

Одну из девочек исключают из экспедиции, потому что бабушка против – а согласие должны дать все члены семьи (хотя если задуматься, вряд ли даже в СССР нашлись бы родители, которые согласились бы на вечную разлуку с детьми без возможности поддерживать связь).

Конечно, организаторы позаботились и создали для детей комнаты виртуальной реальности с точной копией их родных квартир, хвойного леса и земной природы.

Пожалуй, главный минус этого фильма лично для меня – не ясны ставки.

Детей разлучают с родителями и друзьями и отправляют в космос. Навсегда. Возвращение невозможно (без волшебного «рояля из кустов»).

Но мы ничего еще не знаем о терпящей бедствие цивилизации, поэтому и нет ощущения, что эти серьезные жертвы оправданы.

К сожалению, фильм хоть и был встречен неплохо, вскоре был заслонен «Гостьей из будущего». Простой историей о путешествии во времени, двух злодеях, коробочке-макгафине, за которой все охотятся и детях, которые, соответственно, мешают злодеям этой коробочкой завладеть.

Простое разграничение Добра и Зла, несложный динамичный сюжет и победа без серьезных жертв.

«31 июня» 1978 год

Фильм-мюзикл. И лучшее, что в нем есть – это именно песни.

Это сказка, в которой есть и принцесса, и коварная придворная дама, и темный маг.

И, конечно, рыцарь.

Фильм снят по повести английского писателя Джона Бойнтона Пристли, впервые опубликованная в 1961 году. У произведения есть подзаголовок: «Повесть о верной любви, предприимчивости и прогрессе в век короля Артура и век атома».


Но если вы ждете, что злодея в финале сбросят с большой высоты, как в голливудских фильмах – увы, нет. Это еще и один из немногих фильмов, где отрицательные герои получили в финале, что хотели.
Фильм пошел по принципу «всем сестрам по серьгам». И отрицательная героиня в финале получила, что хотела.

Впрочем, сделало ли ее это счастливой, история умалчивает.

«Тень или может быть все обойдется» 1991

Не знаю, можно ли технически назвать этот фильм советским, поскольку он вышел в 1991 ом. На сломе эпох.

Но это определенно фильм с лучшим злодеем в истории советского кино.

Христиан Теодор и Теодор Христиан. Ученый и его «темный двойник». Его тень.

Мистик сказал бы «доппелегангер».

В основе – пьеса Евгения Шварца «Тень», написанная в 1940 ом. Но сюжет как бы соединяет в себе все сказки Андерсона.

Ученый Христиан Теодор попал в сказочное королевство.

Однако это вовсе не царство феечек и розовых пони. Здесь властвует коррупция, принцесса глупа и эгоистична, и всем правят коррумпированные министры.

В таком мире тень – Теодор Христиан, превосходнейший манипулятор, быстро прибирает к рукам не только сердце принцессы, но и всю власть, превратившись в местную версию Сталина. Или, скорее, Гитлера, судя по отсылке на факельное шествие.

Но кроме этого – у него целых четыре злодейских песни, каждая из которой неплохо раскрывает его мотивы.


Такая небольшая подборка.

Невольно задумалась – столько подборок «лучших диснеевских злодеев» и «лучших злодейских песен».

Но и в советском кино были свои злодеи – пугающие манипуляторы, как Тень, загадочные с неясной мотивацией как Мальгрим из «31 июня», Канцлер из позабытого фильма-сказки «Не покидай», который не вошел в эту подборку только потому, что я его еще не смотрела.

Неплохо было бы, если бы и у нас появились подборки лучших злодеев…

А вы как считаете?

Фильм Моди 2016 года, рассказывающий биографическую историю удивительной канадской художницы, разумеется, имеет ряд художественных допущений. В таких фильмах никогда не бывает всё снято точь-в-точь как это происходило в жизни, иначе зрителю будет скучно смотреть.

Однако меня заинтересовало, что Ричард Никсон покупал у Мод Льюис картины. В фильме этому факту уделяется внимание два раза. Сначала Мод Льюис (в исполнении Салли Хокинс) говорит, что получила письмо от вице-президента Никсона:

Далее в фильме журналисты снимают репортаж рядом с домом Мод Льюис. И репортёр говорит:

Мементо: система, которая пишет только те воспоминания, которые тебе выгодны

Кристофер Нолан построил фильм-ловушку: зритель сначала верит Леонарду так же слепо, как Леонард верит своим татуировкам. И только к финалу становится ясно - вся конструкция «расследования» существовала не для того, чтобы найти убийцу жены, а для того, чтобы у Леонарда навсегда осталась причина искать.

Ирония фильма в том, что персонаж, которого Леонард татуирует как «лжеца» и в итоге убивает, на самом деле единственный, кто говорит ему правду прямо в лицо. Тедди сообщает, что первый «Джон Г.» уже мёртв - Леонард сам его убил год назад. Тедди объясняет, что Сэмми Дженкис - это чужая история, которую Леонард присвоил и наложил на себя, чтобы не признавать, что настоящая жертва страховой махинации - его собственная жена, не поверившая в его травму. Всё это звучит как откровение антагониста, но структурно это единственный монолог в фильме, не опровергнутый ничем, кроме эмоциональной реакции самого Леонарда.

Проблема в том, что Тедди - манипулятор и коп-оборотень, использующий состояние Леонарда в своих целях. Но манипулятивность мотивов не отменяет фактической точности его слов. Нолан специально сталкивает две категории: «плохой человек» и «неправда» - и показывает, что это разные вещи.

Система Леонарда задумывалась как протез памяти, объективная фиксация фактов до того, как их сотрёт кондиция. Но объективность разрушается в тот момент, когда фиксирует не бесстрастный наблюдатель, а человек с невыносимой мотивацией забыть собственную роль в трагедии.

Ключевая сцена - уничтожение полароида с мёртвым Джимми Гранцем и приписка «Не верь его лжи» на фотографии Тедди. Это не ошибка системы - это акт её сознательного взлома. Леонард пользуется единственной своей властью, которая у него осталась: властью решать, что войдёт в архив, а что нет. Он редактор собственной реальности, работающий в условиях, где ни один читатель (включая его будущего себя) не сможет проверить черновик.

Татуировки создают иллюзию необратимости - раз выжжено на теле, значит, факт. Но выбор, что именно выжигать, остаётся актом воли настоящего момента, а не памяти. Это идеальная ловушка: каждая новая версия Леонарда наследует не события, а уже отредактированные выводы, и у неё нет инструмента усомниться в них, потому что сомнение требует памяти о процессе редактирования.

Самое горькое открытие фильма - Леонард признаётся себе (в закадровом монологе, который зритель слышит раньше, чем понимает его смысл), что ему нужно верить, будто месть ещё не свершилась. Мир, в котором Джон Г. уже мёртв, - это мир без цели, а значит, без Леонарда как субъекта. Поэтому система, созданная как инструмент для поиска правды, неизбежно превращается в машину по производству новых целей - то есть новой лжи, которую можно принять за правду ровно настолько, насколько долго живёт кратковременная память.

Финальный твист - не про раскрытие заговора, а про демонстрацию того, что расследование и есть заговор, только направленный внутрь. Тедди умирает не потому, что лгал, а потому, что напомнил слишком много правды.

Вы когда-нибудь пересматривали «Начало» и в какой-то момент ловили себя на мысли, что финальный кадр с волчком - это не загадка, а подсказка, которую все почему-то предпочитают не замечать? Я пересматривал фильм несколько раз подряд, останавливая отдельные сцены, и чем дольше вглядывался в детали, тем меньше сомневался: Кобб никогда не выбирался из сна. Пробуждение в самолете, паспортный контроль, дом с детьми - это не реальность, а еще один аккуратно выстроенный уровень, просто с очень низким уровнем сопротивления, потому что Кобб сам перестал в него верить настолько, что перестал его контролировать.

Сначала кажется, что перед нами классический фильм про команду, которая внедряется в чужое сознание, а в конце герой наконец возвращается домой. Волчок начинает крутиться, монтаж обрывается - и зритель по инерции хочет прочитать это как счастливый финал.

Но если пересмотреть сцену внимательнее, обрыв кадра выглядит не как открытый вопрос, а как последний честный жест самого фильма. Кобб не пробуждается - он в последний раз соглашается не проверять то, что и так давно знает, потому что эта версия реальности удобнее любой другой, которая у него осталась.

Особенно хорошо это видно по интерьеру дома в финале. Присмотритесь: планировка, свет, расположение мебели почти зеркально повторяют лимб, который Кобб построил вместе с Мал много лет назад. Те же пропорции комнат, тот же угол, под которым падает солнце, та же тишина, которая в остальных снах фильма никогда не встречается. Это не совпадение художника-постановщика - это единственное окружение, которое Кобб способен построить достоверно, потому что он строил его тысячи раз.

То же самое происходит с детьми. Вспомните: на протяжении почти всего фильма их лица либо скрыты, либо показаны со спины, либо они застыли в одной и той же позе, как будто это не живые дети, а фрагмент воспоминания, который проигрывается по кругу. А в последней сцене они вдруг поворачиваются - и это единственный момент в фильме, где они выглядят действительно другими. Не потому что Кобб наконец их увидел, а потому что здесь ему больше не нужно было отворачивать их лица - лимб больше не нуждается в притворстве.

Странное поведение окружающих людей в финальных кадрах тоже перестает быть случайным, если приглядеться. Сотрудник паспортного контроля, водитель, лица в аэропорту - все они смотрят чуть дольше, чем нужно, двигаются чуть более синхронно, чем в реальном мире. Создается ощущение, что это не самостоятельные персонажи, а проекции, которые Кобб больше не утруждает себя прорисовывать до конца, потому что для него самого разница между сном и явью давно стерлась.

И именно в этой системе волчок занимает особое место. Он никогда не был инструментом проверки реальности в привычном смысле. Он появляется ровно в те моменты, когда Кобб готов усомниться, и его вращение длится ровно столько, сколько Коббу нужно, чтобы отвлечься и не досмотреть до конца. Спокойствие, с которым он уходит от стола, точность, с которой камера обрывает кадр, - все это больше похоже на работу защитного механизма, чем на работу физики.

В финале, когда экран гаснет под звук волчка, это уже не победа реальности над сном. Это последний акт старого спектакля, который Кобб репетировал с тех пор, как потерял Мал. Он выбирает остаться внутри удобной версии себя, потому что выйти за ее пределы означало бы признать, что снаружи для него, возможно, уже давно ничего не осталось.

Я до сих пор не могу с уверенностью сказать, кто здесь настоящий - тот Кобб, что улыбается детям, или тот, что так и не решился обернуться на волчок.

Но одно для меня стало очевидно после нескольких просмотров: лимб не пытается удержать Кобба силой. Он просто дает ему то, что тот хочет увидеть, и оставляет его наедине с этим выбором.

8 августа Дастину Хоффману исполнилось 89 лет.

Сегодня трудно представить Голливуд без него. При этом в юности Хоффман совсем не выглядел человеком, которому суждено стать кинозвездой.

Он был невысоким — около 167 см, худощавым и совершенно не соответствовал привычному тогда образу главного героя. Более того, когда Хоффман решил стать актёром, одна из родственниц прямо сказала ему: «Ты не можешь быть актёром. Ты недостаточно красив». То есть всё могло закончиться, ещё не начавшись.

В детстве Хоффман серьёзно занимался фортепиано. Его мать была пианисткой и с пяти лет учила сына музыке. Позже он поступил в консерваторию, собираясь стать профессиональным музыкантом. Но в какой-то момент понял, что музыка — не его путь. Актёрство он обнаружил можно сказать случайно.

После школы Хоффман поступил в колледж и собирался заниматься медициной. Учился он неважно и, чтобы получить дополнительные баллы, записался на курс актёрского мастерства. Друг уверял его, что это лёгкий предмет, где практически невозможно провалиться. В итоге провалился он как раз в учёбе, зато нашёл дело своей жизни.

Следующие годы были совсем не похожи на историю будущей звезды. Хоффман перебивался случайными заработками, играл небольшие роли, работал санитаром в психиатрической больнице, официантом и даже плёл гавайские венки.

В Нью-Йорке он оказался среди актёров, которые позже сами станут легендами. В числе его близких знакомых были Роберт Дюваль и Джин Хэкман.

А потом в его жизни наступили перемены: он получил роль в фильме «Выпускник». В 1967 году 29-летний Хоффман получил роль Бенджамина Брэддока — растерянного выпускника колледжа, который совершенно не понимает, что ему делать со своей жизнью.

Сцену, где Джокер выходит из больницы, а здание за его спиной начинает разрушаться, Кристофер Нолан снимал без компьютерной графики.

Для съёмок нашли заброшенное здание бывшей фабрики в Чикаго. Его переоборудовали под больницу Готэма, а потом подготовили к контролируемому сносу.

Хит Леджер в это время находился прямо перед зданием. За его спиной последовательно срабатывали настоящие заряды, и здание буквально разваливалось у него за спиной.

В сценах из психушки во втором Терминаторе съемочной группой была допущена пара ляпов. И речь именно о самой съемочной группе.

Сцена выезда задним ходом на большой скорости из гаража психбольницы. Смотрите внимательно на правую сторону экрана.

Справа вверху в тени сидят операторы с оборудованием. Их видно всего полторы секунды, при первом просмотре фильма они незаметны. Возможно, потом монтажёры решили, что это некритично, поэтому съёмочную группу решили не вырезать из кадра или как-то ретушировать. Пометил это место стрелкой:

Вы когда-нибудь смотрели «Остров проклятых» и после финальных титров ловили странное ощущение, будто вас не просто красиво обманули, а аккуратно подвели к одной удобной версии событий, оставив за кадром куда более неприятную правду? Я пересматривал этот фильм несколько раз, каждый раз замечая новые детали, и чем внимательнее смотрел, тем сильнее убеждался: доктор Шихан вовсе не был настоящим врачом. Он существовал скорее как точное и безжалостное зеркало самого Тедди, отражая не болезнь пациента, а ту часть его личности, которую все вокруг упорно пытались «вылечить».

Сначала кажется, что перед нами классическая история про маршала, который приезжает на закрытый остров, расследует исчезновение пациентки и постепенно понимает, что сам давно потерял связь с реальностью. Финальная фраза про монстров звучит почти как момент прозрения, как будто герой наконец выбирает правду.

Но если присмотреться внимательнее, эта фраза больше похожа на последний осознанный жест того самого раздвоения, которое остров пытался подавить всеми доступными средствами. Тедди не принимает реальность - он в последний раз подтверждает свою роль, потому что роль оказалась удобнее и привычнее, чем то, что ждет его снаружи.

Особенно хорошо это заметно по повторяющимся деталям, которые режиссер разбрасывает по всему фильму почти нарочито. Вспомните, как часто персонажи на острове копируют жесты Тедди: он чешет затылок - и через несколько секунд точно такое же движение делает кто-то из персонала, он закуривает сигарету - и рядом в точности повторяют этот жест.

Это уже не просто совпадение и не режиссерская привычка. Остров будто подстраивается под него, а точнее - сам Тедди постоянно переписывает окружающее пространство под собственное внутреннее состояние. То же самое происходит с репликами. Если слушать диалоги внимательно, многие фразы персонала звучат так, будто их уже кто-то произносил чуть раньше другим голосом, словно это эхо его собственных мыслей, которые он сам же и подсовывает окружающим.

Странная «забывчивость» медсестер и охранников тоже перестает выглядеть случайной. Они вдруг не помнят элементарных вещей, путают факты, смотрят сквозь него или отвечают так, будто роль выучена не до конца. Создается ощущение, что эти люди - не самостоятельные личности, а фрагменты его собственных воспоминаний, которые он постоянно редактирует на ходу. И именно в этой системе доктор Шихан занимает особое место. Он почти никогда не лечит в привычном смысле слова. Он появляется ровно в те моменты, когда Тедди начинает сомневаться, и говорит ровно столько, сколько тот уже готов услышать. Спокойное лицо, выверенные интонации, точные формулировки - все это больше похоже на работу зеркала, чем на работу психиатра.

В финале, когда Тедди произносит свою знаменитую фразу, это уже не победа разума над безумием. Это последний акт старого спектакля. Он выбирает остаться внутри удобной версии себя, потому что выйти за ее пределы оказывается слишком страшно. Я до сих пор не могу с уверенностью сказать, кто здесь настоящий - сам Тедди или тот человек, которого он видит в отражении Шихана.

Но одно для меня стало очевидно после нескольких просмотров: остров не пытается никого вылечить. Он просто показывает человеку, кем тот уже давно успел стать, и оставляет его наедине с этим знанием.

Когда в 1999 году вышла «Матрица», зрители увидели не просто фантастический боевик, а целый новый мир со своими правилами. Многое впечатлились показанным настолько, что им даже тяжело было прийти в себя. Такая глобальная переоценка ценностей и вопрос: а вдруг это все правда?

Но вернемся к фильму и его создателям: за знаменитыми сценами скрывается много интересных деталей.

Например, тот самый зеленый цифровой код, который стал символом фильма, на самом деле не был набором случайных символов. Художник по спецэффектам Саймон Уайтли создал его из японских знаков катаканы. Причем часть символов он взял из кулинарной книги своей жены, отсканировав страницы с японскими рецептами и превратив их в знаменитый «код Матрицы».

Иногда в кино запоминается не тот, кого показывают крупным планом, а тот, кого зритель почти не видит. Создаётся интрига, и мы, зрители, хотим ее разгадать.

В начале 1960-х в одной из советских газет появилась заметка о главном враче областной больницы, который воспитывал приёмных детей. История обычного, на первый взгляд, человека, взявшего ответственность за чужие судьбы, настолько впечатлила редактора Центрального телевидения Нину Фомину, что она решила написать сценарий.

Так родился фильм «Дети Дон-Кихота» — история о враче, который вместе с женой открывает свой дом детям, оставшимся без родителей.

Режиссёром картины стал Евгений Карелов. Среди героев была и женщина, бросившая ребёнка в роддоме. Её образ был небольшим, но очень важным для сюжета.

На эту роль пригласили молодую актрису Ингриду Андриню — студентку ВГИКа из Прибалтики. Но девушка сначала отказалась сниматься. Она боялась, что зрители не смогут отделить её от героини и будут воспринимать её как человека, способного на такой поступок.